Telecharger La Fable cinématographique Gratuit

Une fillette et son tueur devant une vitrine, une silhouette noire descendant un escalier, la jupe arrachée d'une kolkhozienne, une femme qui court au-devant des balles : ces images signées Lang ou Murnau, Eisenstein ou Rossellini, iconisent le cinéma et cachent ses paradoxes. Un art est toujours aussi une idée et un rêve de l'art. L'identité de la volonté artiste et du regard impassible des choses, la philosophie déjà l'avait conçue, le roman et le théâtre l'avaient tentée à leur manière. Le cinéma ne remplit pourtant leur attente qu'au prix de la contredire. Dans les années 1920, on vit en lui le langage nouveau des idées devenues sensibles qui révoquait le vieil art des histoires et des personnages. Mais il allait aussi restaurer les intrigues, les types et les genres que la littérature et la peinture avaient fait voler en éclats.

Jacques Rancière analyse les formes de ce conflit entre deux poétiques qui fait l'âme du cinéma. Entre le rêve de Jean Epstein et l'encyclopédie désenchantée de Jean-Luc Godard, entre l'adieu au théâtre et la rencontre de la télévision, en suivant James Stewart dans l'Ouest ou Gilles Deleuze au pays des concepts, il montre comment la fable cinématographique est toujours une fable contrariée. Par là aussi, elle brouille les frontières du document et de la fiction. Rêve du XIXe siècle, elle nous raconte l'histoire du XXe siècle.

Tourner un film, le mettre en scène, le sonoriser et le monter, c'est toujours faire apparaître, découper, organiser, modeler un espace : dans le cadre, le paysage, le décor, la profondeur, le jeu des acteurs... Comment l'espace intervient-il précisément dans la dynamique d'un film, dans l'élaboration de son discours, dans la production de ses émotions ? Quels rôles peut jouer l'espace dans la narration ? Quels types d'espaces sont filmés, par qui et à quelle période ? Comment les représentations cinématographiques de l'espace dialoguent-elles avec celles d'autres productions artistiques ? Cet ouvrage, unique à ce jour, propose un panorama des principes techniques et esthétiques de l'espace cinématographique.
Il fournit des outils analytiques permettant de définir un espace spécifique au cinéma (le décor architectural, le paysage pictural, la scénographie théâtrale...) construit par le mouvement des images, le montage et le rapport image-son. De nombreux exemples et photos de films illustrent le propos de l'auteur.proche privilégiée ici est historique, le cinéma italien, aussi léger, comique ou mélodramatique soit-il, étant toujours resté étroitement lié aux conditions socio-historiques, aux contextes violents et instables, aux crises qui n'ont cessé de le déterminer et de l'inspirer.

Le genre, notion centrale dans la production cinématographique, suscite de nombreuses interrogations. Comment le définir et le reconnaître ? Quelles fonctions remplit-il dans les processus de production et de réception des films ? Comment s'inscrit-il dans l'histoire du cinéma ? Pour y répondre, ce livre propose une réflexion conjointe sur la notion elle-même, sur les principaux genres et sur les « gestes génériques » qui consistent à nommer, reconnaître ou exploiter des genres cinématographiques. Cette synthèse des théories et des analyses portant sur les usages de la notion de genre au cinéma, est illustrée de nombreux exemples empruntés aussi bien à la filmographie hollywoodienne classique (western, comédie musicale, mélodrame, film noir, etc.) qu'au cinéma de genre contemporain, aux cinémas européens ou asiatiques. Intégrant les dernières recherches dans le domaine, cette nouvelle édition s'adresse aussi bien aux chercheurs qu'aux étudiants en cinéma, qui se doivent de maîtriser cette notion. Raphaëlle MOINE est professeure d'études cinématographiques à l'Université de Paris 10 Nanterre.
Elle a récemment publié Remakes : les films français à Hollywood ( CNRS Éditions, 2007 ).

Raphaëlle Moine : Professeure d'études cinématographiques à l'Université de Paris 10 Nanterre.

Éditeur(s) : Denoël 2015
Auteurs : Moynot (Irène Némirovsky)

Une décennie après le triomphe international du livre Suite française, prix Renaudot 2004, l'aventure continue : début 2015, sortira le film que le britannique Saul Dibb (The Duchess) a tiré du roman, avec Michelle Williams, Kristin Scott Thomas et Matthias Schoenaerts. Pour saluer l'événement, nous avons décidé de publier une version graphique du chef d'œuvre d'Irène Némirovsky. Sachant que le film se concentre sur le second volet de la Suite (Dolce), nous avons proposé à Emmanuel Moynot de s'intéresser particulièrement au premier (Tempête en juin). Sous la plume acérée de cet auteur complet, fort d'une quarantaine d'ouvrages, qui s'est illustré en reprenant le Nestor Burma de Léo Malet et en réalisant un magnifique travail sur Pierre Goldman, cette fresque sur la Débâcle et l'Exode de juin 1940 acquiert sa dimension visuelle. Comme dans un film de Jean Renoir ou de Robert Altman, les personnages, les trajectoires, les destins se croisent et s'emmêlent, traçant le portrait d'une période de pur effroi où il a semblé que la donne sociale, économique, historique se rebattait intégralement. Les figures inoubliables qui peuplent les pages d'Irène Némirovsky prennent visage. On retrouve comme si on les avait toujours connus le banquier Corbin, le couple Michaud, la tribu des Péricand, le malheureux abbé Philippe, la frivole Arlette Corail, le sinistre Coste et sa maîtresse écervelée, tous les autres, les perdants, les affreux, les purs de la défaite française. Et on découvre, en passant, que l'auteur de David Golder – dont on sait la passion pour la narration cinématographique – aurait fait une grande scénariste de BD

Publiée à l'orée des années 1980, la première édition de cet ouvrage se distinguait déjà. La présence massive des films américains sur les écrans du monde entier, leurs liens avec l'argent et la publicité, leur fonction idéologique, leur popularité aussi avaient longtemps entraîné, de la part de nombreux critiques, une position de défense et de suspicion. S'arrêtant sur l'impact que ce cinéma avait eu sur la formation des grands réalisateurs européens, Michel Ciment dévoilait les ingrédients du succès : la préoccupation constante d'un rapport avec les spectateurs, une attention de chaque instant à la direction d'acteurs, un équilibre enfin entre la plastique et la dynamique, entre le cadre et le montage - conjointement donc, le mouvement et l'image. Il s'attachait à certains thèmes : l'influence des Viennois (von Stroheim, von Sternberg, Wilder) ; la notion d'«auteur» ; le western.
Aujourd'hui, dans ces 37 essais, il élargit plus encore la réflexion, s'arrêtant au système hollywoodien. Même pris dans la tourmente de l'Histoire, celui-ci n'a cessé de faire naître tant de chefs-d'œuvre qu'on ne peut que s'interroger sur cette fabuleuse moisson. Face aux contraintes du système, les réalisateurs ont déployé ruse, ténacité, courage pour véritablement devenir les conquérants d'un nouveau monde, les bâtisseurs d'une industrie qui permit à leur art de s'épanouir.

Michel Ciment est maître de conférences honoraire en civilisation américaine à l'université de Paris VII, collaborateur du "Masque et la plume" et producteur à France Culture. Il est l'auteur d'une vingtaine d'ouvrages sur le cinéma, dont des monographies sur Ela Kazan, Joseph Losey, Stanley Kubrick, Franccsco Rosi, Fritz Lang, Jerry Schatzberg, John Boorman, Theo Angelopoulos et Jane Campion, ainsi que d'un livre de souvenirs, Le Cinéma en partage.
Par ailleurs, il a participé à une trentaine de festivals et est président d'honneur de la Fédération internationale de la presse cinématographique. Il collabore à la revue Positif depuis 1963.

Dictionnaire De L'Inde Contemporaine - Frederic Landy



Longtemps perçue comme le pays des maharajahs et des mendiants, l'Inde est désormais tombée dans un autre cliché, celui du pays émergent, de l'informatique et des délocalisations. Que retenir ? L'Inde de Mittal le magnat de l'acier, ou celle du plus grand nombre de mal nourris de la planète ?
Cet ouvrage refuse de choisir. Tous ces contrastes constituent un système, celui d'un pays multiforme à considérer comme un tout. Dynamiques religieuses, mouvements sociaux, nouveaux courants artistiques et intellectuels forment le ciment d'une Inde nouvelle chérissant son passé.
Qui sait qu'en 2030, quand l'Inde sera devenue plus peuplée que la Chine, elle gardera une population en majorité rurale, et ce alors même que dès aujourd'hui, Delhi ou Bombay dépassent 20 millions d'habitants ? Qui sait que les films tournés à Bombay (Bollywood) ne représentent qu'une minorité de la production cinématographique indienne ? Que la politique de discrimination positive en faveur des intouchables, des tribus, mais aussi des femmes, est parmi la plus développée du monde ? Que la littérature en anglais, régulièrement traduite en français, ne parvient pas à refléter toute la richesse des écrits en langues indiennes ? Autant d'informations que le lecteur découvrira dans ce dictionnaire qui offre une vision résolument contemporaine de « l'Inde millénaire ».

.: Studio Ciné Live N°88 - Arvil 2017 :.

Studio Ciné Live apporte un regard neuf sur l''actualité du 7ème Art. Investigations et analyses poussées, variété des sujets traités, tous les ingrédients sont réunis pour donner du sens et répondre à vos nouvelles attentes en matière de culture cinématographique. Un " news cinéma " visuel et élégant, véritable référence pour vivre la passion du cinéma.

Studio Ciné Live N°87 - Mars 2017
French | 100 pages | PDF | 107 MB

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.: Studio Ciné Live N°86 - Janvier/Février 2017 :.

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.: Studio Ciné Live N°85 - Décembre 2016 :.

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